LOS OJOS TAPADOS

Entrevista con Ainhoa Sarmiento

Por Sara Moros Zamorano *
(Madrid. España)

Conozco a Ainhoa Sarmiento desde hace algún tiempo y siempre la recuerdo haciendo mil cosas. Es una mujer a la que le interesa todo lo que le rodea y eso le hace tener una mirada curiosa y un carácter directo y sin tapujos. Es muy fácil hablar con ella de cualquier cosa. Y hablar de su trabajo es además un placer porque te contagia su pasión por la danza y por el arte en general.

Quedo con ella en el camerino del Teatro Real -donde las dos trabajamos- un rato antes de bajar a escena y charlamos de su trabajo. Aquí transcribo lo más interesante de nuestra conversación.

A la de cuatro te abrazo.Copyright © Carlos Belén
Foto: Carlos Belén

Ómnibus - ¿Cómo creas una pieza de danza?, quiero decir, ¿de qué partes, de una idea, de una sensación, de qué?
Ainhoa Sarmiento - Bueno, cada coreografía es diferente. En algunos casos tengo una idea sobre un tema en concreto, o una imagen abstracta que me persigue y me pongo a trabajar en ello. En otras ocasiones me meto en el estudio con la mente en blanco, empiezo a improvisar y luego trato de leer en lo que he bailado y busco la pauta que he seguido inconscientemente. No tengo un "método", no sé si es que todavía no lo he encontrado o ni siquiera tengo que tenerlo.

OM - ¿Qué te da la danza? ¿Cómo te sientes cuando bailas y expresas por medio de ella?
A.S. - Me resulta dificilísimo responder a estas preguntas, no sé si puedo explicarlo. Bailar te permite mover el cuerpo y remover las emociones, pero de una manera abstracta. Mientras bailo estoy más conmigo misma y no necesito razonar ni justificar razonablemente nada de lo que siento ni lo que hago. Es como estar en una dimensión diferente y dejar que la energía (o algo así) circule libremente de dentro a fuera y al revés. No sé. Después de un buen ensayo, de una improvisación o de una actuación, tengo la sensación de haber abierto algo por dentro, de haberme liberado de algo.

OM - ¿Cómo es el mundo de la danza para una compañía que empieza?
A.S. - En nuestro caso dificilísimo, porque hay muy poco apoyo por parte del gobierno y sin recursos todo el mundo tiene que trabajar "por amor al arte" y hacer un poco de todo. Los mismos bailarines tenemos que ensayar y bailar, crear el vestuario y la escenografía. Y yo como directora me ocupo además de toda la producción y distribución de la obra. Además tenemos que trabajar en otras compañías para pagar nuestra vida y tener tiempo y fuerzas para todo.
Acceder a las ayudas y subvenciones es muy difícil, porque cuando todavía no tienes una trayectoria que demuestre que tu trabajo vale, no recibes apoyo, pero sin apoyo no puedes trabajar lo suficiente como para llegar a tener una cierta trayectoria. Si no puedes pagar a los artistas tienes que contratar gente joven con mucha ilusión, pero con menos experiencia y eso hace que el nivel del espectáculo baje un poco, y muchas veces no te puedes permitir cosas que son necesarias como un diseñador de luces o de vestuario ... etc.

OM - Cuéntame cómo ha sido el proceso de producción de tu primer espectáculo de gran formato. ¿Qué ha sido lo más difícil?
A.S. - La verdad es que a pesar de las dificultades que genera la falta de presupuesto, tengo que reconocer que he tenido mucha suerte porque he contado con el apoyo de personas que me conocían como bailarina y han decidido confiar en mí como coreógrafa y directora. Gente como José Luis Álvarez que me ha conseguido un espacio gratuito en el que ensayar, o Michelle Man que me dio la oportunidad de estrenar el espectáculo en el teatro Lagrada. Gente como Fernando Clemente que ha creado parte de la música, o el fotógrafo de danza Carlos Belén, que se prestó a fotografiar el espectáculo para proporcionarnos material gráfico.
Lo más difícil lo estamos haciendo ahora, una vez estrenado el espectáculo hay que venderlo y ahí no tengo ni apoyo ni experiencia y me estoy encontrando con un trabajo arduo que requiere mucho tiempo del que no dispongo. Además es muy difícil entrar en los circuitos y las redes de teatros, recibes negativas constantes.

OM - ¿Qué tal fue el estreno? y ¿Dónde podremos verlo próximamente?
A.S. - El estreno fue como todos los estrenos, muy emocionante y lleno de fallos técnicos. Para mí significó muchísimo, porque supone el principio de algo que he soñado durante años. Además estuvimos rodeados de amigos que vinieron a vernos y a apoyarnos. Después del estreno, lo más importante que hemos hecho ha sido ganar el segundo premio del Certamen de Jóvenes Creadores de Alcalá de Henares y participar en el Marató del Espectacle de Barcelona. Ahora, en agosto, bailamos en un nuevo festival que se estrena este año en Galicia, y después pasaremos por "La casa Elizalde" en Barcelona.

OM - ¿Qué hay de erotismo en tu obra?
A.S. - Bastante, creo. Por ejemplo Los ojos tapados es un solo de danza contemporánea que se podría considerar erótico por la sensualidad del movimiento y porque aparecen desnudos y actitudes provocadoras. Tú ya lo has visto pero para los lectores explicaré cómo es: El solo comienza con unas imágenes estáticas que, gracias a un efecto de luz y oscuridad, parecen fotografías. En estas imágenes se ve un desnudo femenino, un cuerpo que se entrelaza con una silla de madera. A continuación se oye una melodía ejecutada por un violín chino y la bailarina se desliza por encima y debajo de la silla, en una danza de dúo con movimientos suaves y armoniosos. Tras un cambio musical y de la iluminación, la bailarina, vestida con un pijama de seda rojo, baila un striptease dirigido hacia la silla, en el que se quita y se pone partes de la ropa hasta quedar completamente desnuda. La última parte de la coreografía es un recorrido en diagonal desde un extremo del escenario hasta llegar a la silla, situada en el otro extremo del mismo. Esta parte es un viaje en el que el cuerpo de la bailarina se transforma, gracias a la danza, en diversos seres como un ave rapaz, un felino o una mujer.

OM - Y ¿qué es para ti esta coreografía, Los ojos tapados? ¿Cómo la creaste?
A.S. - Esta coreografía se inició en un momento en que yo me encontraba alejada de la persona de la que estaba enamorada por causas ajenas a la voluntad de ambos, en un momento en que echaba muchísimo de menos a esa persona, en que sentía su ausencia como algo doloroso y su presencia como una necesidad física. Monté la coreografía para regalársela a esa persona, como quien escribe una carta de amor en la que trata de explicar sus sentimientos, para decirle lo mucho que necesitaba estar con él.

OM - ¿Por qué la calificarías de "erótica"?
A.S. - Bueno, supongo que para mí el erotismo es la exaltación del amor físico en el arte, y precisamente esta coreografía tiene mucho de eso. Porque al crear esta obra yo pretendía hablar a través de la danza de los aspectos más físicos del amor. La poesía y otras formas de expresión artística te permiten intelectualizar los sentimientos, pero como la danza está inevitablemente pegada al cuerpo, yo quería hablar de lo que le pasa al cuerpo, de las sensaciones físicas relacionadas con el amor y la ausencia, también física, del ser amado.

OM - En esta obra hay un striptease, ¿crees que hay personas que pueden considerar que es algo pornográfico?
A.S. - Supongo que hay gente que lo recibe así, de hecho he visto reacciones muy diferentes, en algunos casos he visto mi trabajo censurado y creo que ese era el motivo.
Hay un artículo de Susan Sontag en su libro Estilos radicales en el que analiza la diferencia entre pornografía y erotismo. Uno de los argumentos que expone es que la pornografía solo tiene una intención: excitar sexualmente, mientras que el arte tiene muchas otras. Lo cual no quiere decir que el arte no pueda llegar a excitar sexualmente. Es probable que mi obra resulte excitante y provocadora, pero en ella hay muchas otras intenciones, como por ejemplo expresar sentimientos relacionados con las emociones que provocan las relaciones amorosas, o reivindicar un desnudo verdaderamente artístico y justificado, en un momento en el que la danza contemporánea y alternativa se desnuda solo por incomodar al espectador. Otro de los argumentos expuestos pon Sontag es la importancia que el arte presta a la forma de expresión en sí mismo y no sólo como instrumento. En mi caso, el tema de la coreografía es también un motivo, un principio para iniciar una investigación que me permite descubrir nuevas formas y movimientos en mi cuerpo.

En este momento oímos por la megafonía del teatro que tenemos que bajar a escena, quedan diez minutos para que comience la representación. Sería un placer seguir charlando con esta mujer tan especial pero eso tendrá que ser en otro momento, en otro capítulo ...


A la de cuatro te abrazo
Algo más que un espectáculo de danza

Por Sara Moros Zamorano *
(Madrid. España)

LA COMPAÑÍA. XsiAcaso

XSiAcaso es una joven compañía de danza contemporánea de reciente formación dirigida por Ainhoa Sarmiento. Su primera obra A la de cuatro te abrazo se estrenó en el teatro Lagrada y obtuvo el segundo premio en el Décimo Certamen Coreográfico de Alcalá de Henares.

Asímismo, este proyecto supone la primera obra de gran formato presentada por la compañía XSiAcaso. Se corresponde con el momento en el que la misma se consolida como agrupación estable con vistas a realizar una labor a largo plazo.

LA DIRECTORA. Ainhoa Sarmiento

Ainhoa Sarmiento estudió danza clásica con María de Ávila; danza contemporánea, improvisación y composición con diferentes profesores en Madrid, Barcelona, Holanda, San Francisco, Nueva York y Viena; y teatro con José Luís Gómez en el Teatro de La Abadía de Madrid.

Ha trabajado en compañías de danza contemporánea como Aracalanza y el Centro Coreográfico de la Comunidad Valenciana y con coreógrafos y directores de la talla de Mijail Barisnikov, Ramón Oller, Patrick de Bana, Will Swanson, Rami Levi, Lipi Hernández o Sol Picó. Además ha bailado en televisión, cine y en el Teatro Real de Madrid con directores como Calixto Bieito, Mario Gas o Bob Wilson.

Desde 1998 ha presentado coreografías cortas en festivales como Piezas cortas hechas y deshechas, El Trielemento o el Certamen Coreográfico Burgos-Nueva York. Actualmente Ainhoa es bailarina de Dani Panulo Dance Theatre; profesora de danza contemporánea y contact-improvisación y directora de XSiAcaso.

LA OBRA. A la de cuatro te abrazo

A la de cuatro te abrazo es una obra compuesta por cinco piezas cortas, Prefiero perderme en el bosque, 4'33'', Resquicio, Los ojos tapados y Abrázame, contrastadas tanto en sus estilos de movimiento y musicales, como en su temática. Cada una de ellas se creó como una pieza independiente y ahora se unen para ofrecer un recorrido que muestra las inquietudes coreográficas actuales de sus creadoras.

Temas como el amor, la muerte, la mujer, la ecología, etc, aparecen representados y expresados a través del movimiento. La música, en ocasiones, creada específicamente para la danza, acompaña y dibuja los movimientos en el espacio. Las piezas han sido escogidas precisamente porque gracias a sus diferencias de estilo y concepción permitían reflejar la gran diversidad existente en la danza contemporánea actual.

Foto: Carlos Belén
A la de cuatro te abrazo. Copyright © Carlos Belén

FICHA TÉCNICA Y ARTÍSTICA


Dirección: Ainhoa Sarmiento
Coreografía, selección musical y diseño de vestuario: Ainhoa Sarmiento, Inés Narváez y Marta de Julián
Música original: Fernando Clemente (Prefiero perderme en el bosque)
Diseño gráfico: Ainhoa Sarmiento y Gabriela Bossio
Fotografía: Carlos Belén
Duración: 50 minutos

Bailarinas: Ainhoa Sarmiento, Inés Narváez, Marta de Julián, Ana Erdozain, María de Dueñas y Amaya González.

LA CRÍTICA

A la de cuatro te abrazo es una función que consta de cinco piezas distintas entre sí. Cada una de ellas te lleva a un sitio distinto o te sugiere sensaciones diferentes. Pero hay una unidad clara de diseño, de dirección. El vestuario; la utilización del espacio; el diseño de las luces, etc, aunque muy diferenciados para cada pieza, están perfectamente empastados en una estética general nunca falta de contenido.

Todo tiene la elegancia justa para hacer de A la de cuatro te abrazo un espectáculo pulido y delicado. Ningún elemento resalta sobre otro estando todos ellos en perfecto equilibrio. Cada uno aporta la información que debe si llamar en demasía nuestra atención y nos deja libres así para centrarnos en la observación de esos cuerpos en movimiento que, con una técnica perfecta, nos hablan en un diálogo incesante de cosas universales como el amor, la soledad, la naturaleza, etc.

A la de cuatro te abrazo te capta, te seduce continuamente, te sugiere sensaciones. A veces sientes frío, otras veces calidez. Unas veces te transporta a un espacio abierto y natural y otras te encuentras en un sitio cerrado y agobiante. Unas veces es erótico y sensual y otras crudo y salvaje. Y todo esto sin cambiar de espacio escénico.

Muchas veces vemos exhibiciones de danza donde lo que se propone es estéticamente perfecto pero que nos aleja como meros espectadores. Esto no ocurre aquí. No se trata de un espectáculo meramente formal. En todo momento vemos una búsqueda creativa y una necesidad imperiosa de comunicar con el cuerpo en movimiento como haría un poeta con su poesía o un pintor con sus lienzos.

Es, sin duda, un espectáculo muy inteligente, lleno de sensibilidad y contenido con momentos de gran poeticidad. ¿No se acerca esto bastante a la definición de Arte?

A la de cuatro te abrazo. Copyright © Carlos Belén
Foto: Carlos Belén

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15 de agosto de 2007

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